YA TENEMOS GANADORES DE LOS PREMIOS PROYECTA

El martes 21 de junio, se entregaron los Premios Proyecta, unos galardones que premian a los profesionales del marketing cinematográfico, la distribución y la exhibición.

Esta 4ª edición ha superado el número de inscripciones de sus predecesoras y tanto alumnos del Máster de Film Business de ESCAC como el jurado oficial han tenido que debatir extensamente para llegar a unas conclusiones. También el público ha decidido los cines ganadores del premio a la Pantalla de Oro, Plata y Bronce. A su vez, Movistar + también han podido dar su opinión en la categoría del mejor cartel cinematográfico y Fotogramas en el mejor tráiler.

También queremos anunciar que el director y actor Daniel Guzmán es el Premio Inspira 2016, un premio otorgado directamente por los alumnos del Máster a la persona que les ha inspirado por su trabajo en el estreno y promoción de su película “A cambio de nada”.

Aquí os dejamos la lista de ganadores de la IV edición de los Premios Proyecta:

MEJOR CAMPAÑA DE MARKETING DE PELÍCULA ESTRENADA CON 50 COPIAS O MENOS

  • Una pastelería en Tokio (Distribuidora: Caramel Films)

MEJOR CAMPAÑA DE MARKETING DE PELÍCULA ESTRENADA ENTRE 51 Y 150 COPIAS

  • La Novia (Productora: Get in the Picture Productions. Distribuidora: Betta Pictures)

MEJOR CAMPAÑA DE MARKETING DE PELÍCULA ESTRENADA CON 151 COPIAS O MÁS

  • Atrapa la bandera (Productora: Telecinco Cinema, Lightbox Entertainment, Telefónica Studios. Distribuidora: Paramount Pictures)

PREMIO A LA MEJOR CAMPAÑA DE PRENSA MANEL VICARIA

  • Anacleto, agente secreto (Productora: Zeta Cinema. Agencia: Núria Costa-WAW)

PREMIO MOVISTAR+ AL MEJOR CARTEL DE ESTRENO

  • Los exiliados románticos (Diseño: Clara León)

MENCION ESPECIAL MOVISTAR+ AL MEJOR CARTEL DE ESTRENO

  • Barcelona nit d’hivern (Diseño: Jordi Rins)

PREMIO FOTOGRAMAS AL MEJOR TRAILER

  • B (Trailer de: Miguel Ángel Trudu y Enrique Costa)

PREMIO PROYECTA PANTALLA DE ORO

  • Cinemes Full

PREMIO PROYECTA PANTALLA DE PLATA

  • Renoir Plaza España

PREMIO PROYECTA PANTALLA DE BRONCE

  • Getxo Zinemak

PREMIO COMSCORE AL MEJOR ESTRENO

  • Star Wars. El despertar de la fuerza (Distribuidora: Walt Disney Studios Spain)

PREMIO COMSCORE AL MEJOR ESTRENO

  • 8 Apellidos Catalanes (Productora: La zona, Telecinco Cinema. Distribuidora: Universal Pictures Spain)

Entrevista a Pablo Sancho, presidente de la Federación de Cineclubs de Cataluña

 

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¿Qué es la Federación Catalana de Cineclubs y cuántos cineclubs la conforman?

La Federación Catalana de Cineclubs es la entidad que agrupa a todos aquellos cineclubs que quieran formar parte de él y que realicen su actividad en los territorios de lengua catalana. Además, y según dictan nuestros estatutos, la FCC trabaja para que el cine independiente, de autor y de calidad, a poder ser siempre en versión original subtitulada, llegue a todo el territorio catalán a través de la red de cineclubs. Actualmente, en 2016, son 50 los cineclubs federados que forman parte de esa red y es la província de Barcelona la que aporta un mayor número al total.

¿Cuál es el objetivo principal de los cineclubs?

El cineclub siempre ha sido un lugar de resistencia. En sus diferentes etapas, las resistencias han sido diferentes. Han sido un lugar de resistencia cultural y educativa contra lo establecido, y ahora, además, es un lugar de resistencia en un momento en el que ir al cine ha dejado de ser la primera opción de ocio de un público mucho más diversificado. Las pantallas se han multiplicado por miles, pero el cine nació para ser visto en una pantalla de cine, y los cineclubs, repartidos por el territorio, mantienen vivas numerosas pantallas para poder seguir disfrutando y reflexionando sobre el cine.

Son lugares de encuentro y debate sobre cinematografía pero, no lo olvidemos, ahora los cineclubs tienen la función en muchas poblaciones de sustituir las salas comerciales cerradas y acoger a un público huérfano de pantallas.

¿Qué tipo de programación se suele hacer?

Los cineclubs son soberanos en cuanto a su propia programación y, en el momento de decidirla, aunque los criterios puedan ser diversos, acaban siendo comunes a nivel general. Principalmente los cineclubs proyectan filmes de autor, que generen debate y alimenten nuestra educación cinéfila, y filmes que, dentro de los parámetros de europeidad y calidad, puedan responder a una demanda mayor de público, sobre todo en esas poblaciones donde solamente el cineclub proyecta cine de manera regular.

Entonces, ¿podríamos decir que los cineclubs que han tomado la función de “sala de cine” de la zona, programan un perfil de películas más comercial?

Sí, pero depende del día. Por ejemplo, en el cineclub de Vilafranca, donde ejerzo de programador, proyectamos películas más experimentales o alternativas durante la semana y los fines de semana hacemos una programación más convencional, proyectamos películas para un público más amplio que va al cine a entretenerse y a pasar un buen rato.

Aún así, algo que me gustaría destacar es el interés que las películas de perfil más alternativo ha despertado en el público de los fines de semana. Son personas que asisten regularmente al cineclub y que por curiosidad han venido los días que programamos cine más independiente.

Háblanos de los diferentes programas alternativos que la FCC propone a los cineclubs, en particular de los proyectos Per estrenar y Cinesud.

Per estrenar es un programa que consiste en distribuir por los cineclubs adheridos al proyecto películas inéditas, sin distribución comercial, pero que entendemos que son filmes de calidad y del interés para los cineclubs, pues han estado presentes en festivales internacionales y tienen en nosotros un público potencial. Contactamos directamente con el distribuidor internacional y, además, siempre intentamos acompañar estas proyecciones con la presencia del director, que en una semana recorre diferentes ciudades catalanas.

Cinesud es un proyecto liderado por el grupo latinoamericano de la Federación Internacional de Cineclubs, que pone a disposición de los cineclubs de todo el mundo, películas que tienen una especial dificultad para salir de sus países.

¿Los cineclubs desarrollan algún tipo de actividad que haga prevalecer la esencia de su origen? Encuentros entre cinéfilos y cineforums… es decir, alguna actividad fuera de la proyección.

Sí. Como te comentaba en el cicle Per estrenar nos interesa mucho traer al director para poder compartir con el público su propuesta. Después, cada cineclub, en la medida de lo posible, intenta contar con alguien del equipo cuando se trata de películas catalanas. Autores como Marc Recha o José Luis Guerin muestran siempre mucha predisposición al debate.

¿Se nota el interés del público cada vez que proponéis alguna actividad de este tipo?

Sí, claro. El contar con el director de la película o con alguien que forme parte del equipo es un valor añadido y se nota en la asistencia del público al cineclub. Hay quien se animará más y hay quien se animará menos a debatir en el coloquio de la película, pero en general el público demuestra interés por el proceso de creación y la razón por la cual la película ha llegado a ser lo que es.

Hay un concepto que en los últimos años se está escuchando mucho que es el de la creación de nuevos públicos. Uno de nuestros ejes fundamentales es el de la formación, la necesidad de crear nuevos públicos, transformar aficionados al cine en cinéfilos conversos. Desde la FCC ofrecen decenas de programas educativos, muchos de ellos destinados a los niños y jóvenes, que son el público del futuro. Paradójicamente, han nacido con tantas pantallas en sus manos que se les hace difícil mantenerse inmóviles dos horas delante de una. Es una generación multipantalla.

Ponme algún ejemplo de los programas educativos que ofrecéis.

A los más pequeños les proponemos una serie de juegos relacionados con la creación y los inicios del cine, en los que trabajamos por ejemplo con las sombras chinescas. Para los jóvenes adolescentes, por otra parte, ofrecemos actividades de todo tipo: desde talleres para hacer cortometrajes hasta proyecciones especiales para estudiantes de bachillerato como las sesiones de filmoteca, donde descubren los orígenes del cine de la mano de Segundo de Chomón.

¿Qué crees que los cineclubs pueden hacer para conseguir que el cine llegue a más gente?

Creo que por más esfuerzos que hagamos, que nunca son suficientes, nuestro país tiene un problema con la cultura, y es que, empezando por el gobierno, se nos está vulgarizando. Falta respeto y educación no solo por nuestro cine sino por todas las personas que tienen un trabajo y una nómina gracias al cine. Es el único sector empresarial al que se le critica por pura inercia. ¿Alguien que haya visto películas como Magical Girl o La isla mínima puede decir que son ‘españoladas’?

 

Y las salas comerciales, ¿qué crees que deberían hacer para conseguir reactivar la pasión por el cine?

 

Generalizando, y con todo mi respeto hacia ellas, les recomendaría trabajar con la pasión con la que lo hacen los cineclubes, y que piensen no sólo como empresarios sino también como espectadores.

 

Por ejemplo, podrían empezar diversificando la oferta de su cartelera. No puede ser que hoy en día vayas a un cine comercial y te encuentres con 12 películas del mismo perfil. Sabemos que ante todo buscan dirigirse a un público palomitero, pero con la cantidad de salas que tienen podrían variar un poco su programación y llegar a mucho más público.

 

¿Cómo se ha llevado la digitalización? ¿Cada cineclub se ha tenido que hacer cargo del coste de la conversión?

La digitalización ha sido el cambio más importante en el ámbito de la exhibición en décadas, pues 120 años después de la invención del cine por primera vez ha cambiado el sistema estándar de proyección, que era el celuloide y que ahora es el digital (DCP).

Para muchos cines comerciales ha sido un palo durísimo tener que asumir una inversión tan fuerte, sobre todo coincidiendo con un momento de crisis tan grave como el que estamos pasando. Muchos cines comerciales han tenido que cerrar sus puertas al no poder asumir esta digitalización.

En el caso de los cineclubs, ocurre algo diferente. Realmente de los 50 cineclubs que citaba antes como federados, muy pocos, un puñado, proyectan en sistema DCP. La libertad que poseen los cineclubs al programar no les hace tan esclavos de la novedad y pueden hacer un cine de reestreno en formatos como el Blu-Ray que ofrecen un resultado óptimo a la proyección.

Sobre aquellos que proyectan en salas digitalizadas, una gran parte proyecta en espacios públicos donde la conversión ha sido financiada por el Ayuntamiento, pero también los hay que combinan la faceta de cineclub y sala comercial, asumiendo ellos mismos su compra.

¿Cuál es la situación actual de los cineclubs?

Cada cineclub vive una situación particular y funciona a velocidades muy diferentes, pero me gusta pensar que el movimiento cineclubista pasa por un un momento bueno, pese a que se haya transformado la función social y cultural que tenía en un origen y ahora les toca desarrollar otra, diferente, pero igual de útil.

A nivel de cifras, todos los cineclubes unidos en un año pueden llegar perfectamente a la cifra de 100.000 espectadores, con ratios de espectadores por sala envidiables. Después de tocar fondo, considero que el público, poco a poco, está regresando a las salas. Fijándome en Cine Club Vilafranca, cada año la cifra final de espectadores aumenta.

Para acabar, vosotros que sois los que albergáis a un mayor número de cinéfilos en una sola sala, ¿qué pensáis cuando oís eso de “ El cine ha muerto”?

El cine ni está muerto ni morirá. Fue el lenguaje narrativo por excelencia del siglo XX y es el que domina, desde múltiples ventanas y pantallas, en el siglo XXI. Como ha sucedido con todas y cada una de las artes, el cine se encuentra en continua transformación, tanto de formatos como de narrativas. Pasarán las décadas y la gente necesitará que les sigamos contando historias, sean a través de una pantalla de cine, un televisor o un portátil. Como humanos necesitamos relatos y creo que el cine es la manera más completa de explicarlos. Además, aunque los grandes autores clásicos vayan desapareciendo, sus películas quedan como legado. Las obras maestras nunca mueren.

por Clàudia Mera

Más info: http://www.federaciocatalanacineclubs.cat/ca/historiafcc.html

 

Premio Inspira 2016

Un año más desde los Premios Proyecta, los alumnos del Master de Film Business otorgamos el premio inspira a aquella persona que nos ha inspirado en su manera de configurar y vender sus proyectos. Este año, el reconocimiento va a las manos de Daniel Guzmán, un director que ha defendido con uñas y dientes su debut cinematográfico: «A Cambio de Nada«.
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El que fue Roberto, el novio de la pija en «Aquí no hay quien viva» y protagonizó la entrañable «Mia Sarah», pasó más de diez años gestando su ópera prima como director.  En ella, Guzmán expone la realidad de su niñez, su adolescencia rebelde y sus problemas familiares. En «A cambio de nada» Guzmán ficciona su vida y presenta un cuidado retrato del Madrid de extrarradio de forma tragicómica y naturalista a la par que optimista.
Este año el premio inspira va para él por su valentía a la hora de defender su producto, por pelear por conseguir una distribución y un B.O. digno de una producción grande y por confiar en el poder de las redes sociales como predicadores de su película. Y sobretodo, por confiar el peso de su película en dos debutantes ya consolidados dentro del panorama español después de su papel en la cinta: Miguel Herranz, ganador del Goya revelación en 2016 y Antonia Guzmán, la propia abuela del director y auténtica baza para el marketing de la película.
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Le concedemos el premio, por su capacidad de venderse a sí mismo y por crear la escena más memorable de los Goya 2016, configurando el meme más divertido de la noche. Se lo damos por su voluntad para abrirse camino en el mundo de la dirección contando algo tan personal como la historia de uno mismo. Y, finalmente, le otorgamos el Inspira por haber logrado algunos de los mayores reconocimientos de nuestra cinematografía (Múltiples biznagas en Málaga, Goya al mejor director novel…) y para que pueda acabar su año dorado por todo lo alto. ¡Gracias por Inspirarnos, Daniel! ¡Te lo mereces!
Marina Cisa

Presentamos los nominados de la 4ª edición de los Premios Proyecta

  • Los Premios han batido el récord de participación.

  • Los premiados se darán a conocer en la Gala que tendrá lugar el 21 de junio en Barcelona.

  • Siguen abiertas las votaciones a mejor pantalla de cine que se votan a través de http://premiosproyecta.com/vota/

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Los Premios Proyecta se complacen en presentar los nominados de la edición 2016. Este año se ha batido récord de inscripciones respecto las ediciones anteriores, ganando en participación por parte de distribuidores, exhibidores,
agencias de marketing y prensa, diseñadores y profesionales de la industria.

Los ganadores serán seleccionados por un jurado formado por profesionales de la industria y anunciados en la gala que tendrá lugar el 21 de junio en la sala Bogart de Barcelona.

Los nominados en las diferentes categorías son:

Mejor Campaña de Película Estrenada con 50 copias o menos

• El camí més llarg per tornar a casa (Niu d’Indi/Noucinemart)
• El hijo de Saúl (Avalon)
• Langosta (Avalon)
• Una pastelería en Tokio (Caramel Films)

Mejor Campaña de Marketing de Película Estrenada con entre 51 y 150 copias

• Barcelona nit d’hivern (Splendor Films/Filmin)
• La juventud (Vértigo Films)
• La novia (Betta Pictures)
• Truman (Filmax)

Mejor Campaña de Marketing de Película Estrenada con 150 copias o más

• Atrapa la bandera (Universal Pictures)
• Regresión (Universal Pictures)
• Star Wars: El despertar de la fuerza (Disney)
• Zootrópolis (Disney)

Mejor Campaña de Prensa Manel Vicaria

• Anacleto, agente secreto (Zeta Cinema)
• B de Bárcenas (Avalon)
• El hijo de Saúl (Avalon)
• Sufragistas (DeAPlaneta)
Mejor Cartel de Estreno Movistar +
• Anacleto, agente secreto (Barfutura)
• B de Bárcenas (Do BCN, Marcos Colorado, Enrique Costa)
• Barcelona nit d’hivern (Jordi Rins)
• El desconocido (Barfutura)
• Hablar (Jordi Rins y Quim Vives)
• Incidencias (Pep Ávila y Lucas Pigliacampo)
• Los exiliados románticos (Clara León)
• Palmeras en la nieve (Natalia Montes y Manolo Pavón)
• Requisitos para ser una persona normal (Natalia Montes y Pau Barrena)
• Un día perfecto (Barfutura)

Premio Fotogramas Mejor Tráiler

• B de Bárcenas (Avalon)
• Barcelona nit d’hivern (Splendor Films)
• Regresión (Universal Pictures)
• Victoria (Avalon)

El ganador del Premios Rentrak al mejor estreno se anunciará en directo durante la gala. Este año, los premios a las mejores salas de exhibición (Pantalla de Oro, Plata y Bronce) los elegirá el público. Las votaciones están abiertas desde el 30 de mayo hasta el 12 de junio en la web http://premiosproyecta.com/vota/.

Los espectadores con sus votos determinarán cuál es para ellos la mejor sala del país atendiendo a criterios como la programación, comodidad, calidad técnica, atención al público y precio.

Los premios están organizados por la ESCAC con el apoyo de la agencia de marketing cinematográfico Working at Weekend. Este año cuentan con Movistar+ como media partner oficial y el patrocinio de Fotogramas, Eclair,  Proyecson-CinemaNext, ComScore e Imprenta Tramacolor.

Los festivales, Málaga y el festival de cine de autor de Barcelona

Si bien es cierto que existe una gran teoría alrededor del estudio de las películas y la cinematografía, en el caso de los festivales aún queda mucho que estudiar.

De acuerdo con FFRN (Film Festival Research Network), en los últimos años algunos teóricos han propuesto estudiar los festivales en distintas directrices. Algunos se han decantado por el estudio de los fenómenos locales a los globales       (Nichols, 1994:68)

Otros como el antropólogo Daniel Dayan, en sus estudios sobre el festival de Sundance han encontrado que las audiencias generan fidelidad hacia aquellos festivales que los identifican con el cine, y menciona que los festivales son espacios divergentes en donde: realizadores, distribuidores, organizadores, periodistas y audiencias se reúnen, no únicamente para exponerse a una proyección, sino para construir lo que el denomina como: “la arquitectura verbal del cine” que no es una cosa sencilla se trata de la construcción del discurso en la búsqueda de legitimar la industria del cine (Dayan 2000: 52)

Otros investigadores como Keneth Turan (2002) y Marijke de Valck (2007) proponen la categorización de los distintos tipos de festivales, tarea que podría resultar un esfuerzo titánico entre los cientos que existen y que hablan de temas tan diversos como el medio ambiente, los derechos humanos o la comunidad LGBT

La magnitud de estas fiestas se ha diversificado tanto, que hoy ya no sólo son objeto de estudio de programadores enfocados en las vanguardias cinematográficas, hoy son tema fundamental en escuelas de economía que buscan graficar la manera en que se comporta el mercado cinematográfico, y no sólo la compra y venta de películas, también se estudia la manera en la que los festivales reciben recursos para producirse cada año.

Al respecto el blog de Stephen Follows, Film data and education, muestra los resultados de la encuesta que realizó a 5000 directores de festivales de manera anónima y que dieron por resultado lo siguiente: el 65% por ciento de los festivales cobran por submissions, en promedio 27 dólares por cortometrajes y 40 por largometrajes, lo que permite que los festivales se realicen año con año.

Otras formas de financiarse es a través de conseguir patrocinadores o fondos de ayuda, generalmente otorgados por los ministerios de cultura, y la venta de entradas. Las suscripciones a los festivales, ya no se hacen únicamente a través de sus propios sitios webs, hoy ya existen plataformas como Without a box o Film free way, MoviBeta, Festival Focus, etc.

El mundo de los festivales se ha magnificado a tal grado que ya existen organismos como la FIAPF (Fédération Internationale des Associations de Producteurs de Film) organismo conformado por 36 organizaciones de productores del mundo, presentes en 30 países y en cinco continentes, que se encargan de: certificar, verificar, asesorar y calificar bajo altos estándares de calidad a los festivales de cine. Para esta asociación los 15 festivales clase A que existen son: Berlin, Cannes, Shangai, Moscow, Karlovy Vary, Locarno, Montreal, Venecia, San Sebastian, Varsovia, Tokyo, Tallin, Cairo, Mar del Plata y India Goa.

cannes

Berlin

 

 

Otros festivales acreditados por el organismo son: Cartagena, Sofía, Bruselas, Estambul, Jeonju, Transilvania, Sydney, Valencia Jove, Sarajevo, Kitzbühel, Namur, Busan, Sitges, Antalya, Mumbai, Kyiv, Minsk, Stockholm, Kolkata, Gijon, Turin, Courmayeur, Kerala.

Y mientras este texto se escribe, dos importantes puntos de encuentro alrededor del cine suceden: El festival de Cine de Málaga y el Festival de Cine de Autor.

cine autor Malaga

La prensa se desborda con las notas en sus diarios y en sus secciones de cultura, el diario El País, nos habla de la sección oficial en competencia en donde se encuentran: El futuro ya no es lo que era de Pedro Barbero, Cerca de tu casa de Eduard Cortés, El rey Tuerto de Marc Crehuet, Gernika de Koldo Serra y Callback de Carles Torras. En esta sección oficial hay un total de 16 títulos, donde sólo 14 competirán por la Biznaga de Oro.

En este encuentro multicultural también hay espacio para America Latina, en esta ocasión, de acuerdo con El Pais, se presentarán 9 largometrajes de un total de 179. Además en la parte de documental se inscribieron 502 trabajos y se exhibirán un total de 19.

Otra de las actividades que propone el festival es el Programa para la internacionalización de la cultura española (PICE) , este evento reúne a programadores de Mar del Plata, Cartagena de Indias, Sao Paulo y Edimburgo para visionar posible selecciones en los festivales de sus respectivos países, además, por segunda ocasión se realizará Gastroweekend, actividad en la que se potencia la industria gastronómica de la mando de la cinematográfica (Codina, 2016, El País)

Dentro de la décimo novena edición del festival que se celebra del 22 de abril al 1 de mayo, Los Premios Proyecta entregarán el premio a Mejor estreno de cine español.

Y mientras Málaga sigue homenajeando y festejando al cine, en Barcelona el Festival de Cine de Autor no se queda atrás. En esta edición, el festival inauguró con Cegado por Sol una película de Luca Guadagnino, con las actuaciones de Ralph Fiennes, Dakota Johnson, Tilda Swinton y Mathias Schoenaerts.

Además de las visiones de autor más vanguardistas del mundo, el festival ofrece varias actividades paralelas entre ellas el coloquio: Autoría y creación. De la escritura al montaje.

Los festivales de cine, sin duda, hoy no sólo representan la necesidad de exhibir más cine; hoy los festivales nos demuestran que estamos frente a audiencias mas exigentes, diversas y desafiantes. A una velocidad impresionante, los encuentros de cine se renuevan cada año para abarcar más temas y lograr corresponder a la fidelidad de la audiencia.

De película a experiencia

Se apagan las luces mientras se ilumina la gran pantalla. Sumerge la manos entre las palomitas y empieza la función: comienza la nueva película de Iñárritu que solo le ha costado un click. Ahora el espectador ya puede ponerse cómodo en el sofá de su casa.

La venta de productos cinematográficos y derivados se hace cada vez más compleja. Los consumidores son inteligentes y exigentes, ¿por qué ir al cine cuando uno puede visualizar una película con prácticamente la misma calidad desde casa, con todas las ventajas que esto conlleva? No todas las salas exhibidoras han sido capaces de competir contra esta nueva mentalidad. De acuerdo, ir al cine es un acto social pero, desafortunadamente, no todo el público lo valora de la misma forma. Frente esta situación, muchos cines han querido añadir un plus a sus servicios, se han marcado el objetivo de hacer que el espectador no vea una película sino que viva una experiencia.

Veamos como las salas han conseguido que el público se sumerja dentro de la película con todos los sentidos:

Ir al cine y cantar ha dejado de ser algo incompatible gracias a la propuesta que nos presentan los multicines Aribau. Sing-Along invita a cantar y bailar la banda sonora de las películas al espectador, proporcionándole las letras de las canciones en formato karaoke. Además, cuentan con unos animadores que dirigen y motivan al público para que interactue con el filme.

A

Cine asiático combinado con una buena ración de sushi. Esta es la fórmula que aplicó el cine Truffaut de Gerona para promocionar Aguas tranquilas, la penúltima película de Naomi Kawase, haciendo así que el espectador se sintiera partícipe del filme.

B

Cuando la película se convierte en algo secundario y el público solo busca pasar un buen rato con los amigos, los cines Maldá de Barcelona presentan caña y peli sorpresa por un precio muy reducido. De esta forma, el espectador se lanza a ver un filme sin saber su título hasta que aparecen los créditos. Una propuesta tan arriesgada como divertida.

C

Si lo que te emociona es la banda sonora de las películas, te pueden interesar eventos como el que promovió la sala Phenomena en el Auditori Fòrum de Barcelona el pasado Halloween. La Orquesta Sinfónica del Vallés interpretó la banda sonora de Psicosis en directo, haciendo que el espectador reviviera la película de una forma totalmente innovadora e intensa.

D

Sílvia Pujol

5 carteles, 5 identidades // Agencia Sopa, los estrategas

Cada persona es un mundo y detrás de un cartel de cine suele haber varias (a veces, muchas). Pablo Dávila y Ana Linde son dos de ellas. Creativos especialistas en gráfica de cine, instigadores y coordinadores del Premio Fotogramas a Mejor Cartel de Estreno en la 3a edición de los Premios Proyecta. Al hilo del cuál entrevistaron a los finalistas para ofrecernos aquí una muestra del sector en España (ojo, hay muchos más). Y, de paso, invitar a diseñadores y otros implicados en la gráfica de cine a entablar un diálogo que mejore el oficio y facilite su día a día. Todo buenas e inspiradoras noticias.

Pablo Dávila – www.pablodavila.com

Ana Linde – www.analinde.com

Se definen como un laboratorio creativo especializado en branding (marcas, papá). También se consideran especialistas en proyectos singulares. Nosotros opinamos que son una gente listísima que reconoce el inmenso poder vertebrador de las ideas en la creación de imágenes.

Su paso por el diseño para cine es, de momento, tangencial, pero tienen en su currículum una clara entrada por la puerta grande: las dos campañas de la saga de Paco León, Carmina o revienta y Carmina y amén. Oyendo el relato del proceso creativo de estos trabajos, sorprende su puntería. El trabajo de investigación y conceptualización fue tan fino que la gráfica surgió como consecuencia lógica, sin demasiadas vueltas, a partir de casi una única toma. Ponen tal énfasis en construir el mensaje (metiéndose en la piel del director, el universo de la película, explorando el sentir de la calle, las redes, los precedentes), que la traducción formal resulta sencillísima. Y, lo que es mejor, ese trabajo de concepto da cuerpo a todas las acciones promocionales, no solo al diseño gráfico. Lo que viene siendo una agencia, dirán ustedes. Sí, pero en cine, esto no es habitual. Directores, productores y distribuidores suelen ser bastante territoriales en lo que a las ideas respecta, prefieren meras manos gráficas ejecutoras… Para Carmina y amén (finalista en los Proyecta 2015) crearon una religión con hashtag, #creoencarmina, cuyo icono –Carmina en mitad de una corona de laurel trufada de su propia imaginería– se convirtió en objeto gráfico de culto en las redes. «Paco León es uno de los mejores clientes que hemos tenido, fue casi parte del equipo». Cuentan que tiene la habilidad de reclutar a todo tipo de gente interesante para generar mezclas únicas y eficaces.

El núcleo duro de Sopa son dos hermanos, Luis y Álvaro, macerados creativamente en Sevilla (aunque son cordobeses, no confundir). Luis maneja la fabricación de conceptos, habla más como un semiólogo que como un publicista y está clarísimo que le encanta jugar con el lenguaje. Álvaro se encarga de traducirlo todo al terreno visual, aunque comparte con su hermano el gusto por las ideas. Les acompañan: Virginia, «la trazadora», la mano que mece la agencia en lo logístico; María, la autora de toda esa investigación que cimenta las ideas. Y Juan, que se encarga de todo lo relacionado con la comunicación online. Juntos conforman un equipo letal que se reparte entre Madrid y Sevilla, con una serie de colaboradores a ambos lados del Ave. Solo conocemos su oficina de Madrid, soleada, sencilla y con una estudiada combinación de austeridad moderna y saborcillo cañí.

Fuera del cine orbitan siempre en las industrias culturales, aplican su filigrana comunicativa a festivales, eventos de emprendimiento como Zink Shower y lo que se les ponga por delante (eso sí, dominan el arte de decir no: eligen bien los proyectos en los que se involucran).

«Nuestro objetivo es satisfacer más que sorprender. Explorar antes de diseñar. Aclarar en lugar de maquillar». Pues mira qué bien, qué claro todo. Lo mejor: demuestran un gran entusiasmo por lo que hacen.

No conocen demasiados profesionales de la gráfica de cine, valoran el trabajo de Barfutura como creadores de universos gráficos atractivos (mencionan Las brujas de Zugarramurdi) y de la creación reciente les encantan Loreak y Magical Girl.

Para terminar, preguntamos: «¿Algún vaticinio para la gráfica de cine en España?». Están muy tranquilos, confían en que el sentido común (el gusto por la exploración y la creatividad bien fundamentada) les libere de las tendencias. Parecen muy dispuestos a seguir usando su receta.


Como diseñadores, este viaje con cinco paradas tan diferentes ha sido un regalo. Con mucha prisa (la fecha del evento mandaba) tratamos de plasmar estos cinco procesos creativos en un video, para información de los asistentes a la gala de entrega de los Premios Proyecta. Huelga decir que no hace justicia a tanto talento y a tanta generosidad que estos creativos han demostrado cediéndonos su tiempo, su relato y sus imágenes.

Como instigadores del premio al Mejor Cartel de Estreno, estamos muy orgullosos de haber contribuido a que los diseñadores se conozcan (en general y entre sí), en lo que queremos que sea el inicio de una toma de conciencia del gremio, si es que existe como tal, en el maremagno del marketing de cine en España. ¿Continuará? Seguro que sí.

Pablo Dávila – www.pablodavila.com

Ana Linde – www.analinde.com

Septiembre de 2015

5 carteles, 5 identidades // Metromuster, los activistas

Cada persona es un mundo y detrás de un cartel de cine suele haber varias (a veces, muchas). Pablo Dávila y Ana Linde son dos de ellas. Creativos especialistas en gráfica de cine, instigadores y coordinadores del Premio Fotogramas a Mejor Cartel de Estreno en la 3a edición de los Premios Proyecta. Al hilo del cuál entrevistaron a los finalistas para ofrecernos aquí una muestra del sector en España (ojo, hay muchos más). Y, de paso, invitar a diseñadores y otros implicados en la gráfica de cine a entablar un diálogo que mejore el oficio y facilite su día a día. Todo buenas e inspiradoras noticias.

Pablo Dávila – www.pablodavila.com

Ana Linde – www.analinde.com

«Algo relacionado con Alemania que se inventó mi socio, no sé bien de dónde viene» dice el arquitecto Xapo Ortega, co-fundador de la productora audiovisual Metromuster, preguntado por el origen del nombre de la empresa.

Xapo no es diseñador, al menos en primera instancia. Él y Xavi Artigas –que así se llama su socio– se dedican al «activismo audiovisual», a la «deconstrucción de los códigos de denuncia», a «hackear la realidad». Y no trabajan solos. Son los creativos menos solitarios del estado, porque su materia prima es la gente. Diseñan con personas.

¿Pero, qué lío es este? Volvamos a empezar:

Ciutat morta es un largometraje documental sobre un caso de supuesta violencia policial y negligencia político-judicial ocurrido en Barcelona en 2006 (conocido como El 4F). Cinco personas fueron condenadas por un delito que, según ellos, no habían cometido. Ciutat morta es, al mismo tiempo, origen y consecuencia de una campaña de denuncia social que todavía está abierta. Obedece a un modelo de producción audiovisual en el que las obras –en perfecta aleación con las redes sociales– son un vehículo para el activismo, una forma de generar conciencia social usando un código inteligible para el mayor número de personas posible. «Queremos huir del panfleto en blanco y negro, usar las leyes del marketing para hacer llegar los mensajes de denuncia a más gente y de manera inteligible para todos». Resumiendo: contar una versión de los hechos, generar conciencia en la gente y provocar un cambio. Ciutat morta empezó a difundirse en redes, pasó cosechando premios por varios festivales importantes y poco a poco ha ido subiendo hasta hacer cumbre con la emisión en TV3.

Pero aquí estamos para hablar de diseño: Xapo Ortega sintetizó todo esto en dos imágenes, sendos carteles usados en esta particular versión de la promoción cinematográfica. Primero una cara pixelada, cuyos ojos tapa una pastilla negra contenedora del título. Es la cara de Patricia Heras, una de las protagonistas del episodio, presentada como una víctima silenciada, sin rostro, una detenida invisible. Esta gráfica representó a la película en sus primeros pasos, cuando todavía era un proyecto «familiar». Pero tras la selección en varios festivales importantes y la repercusión de la campaña en redes, la película fue creciendo en calado y superó el silencio mediático del que Metromuster acusa a los periodistas (especialmente los catalanes). Era hora de subir el tono y llegó el cartel definitivo –ganador, junto a Loreak, del premio al Mejor Cartel–: una foto de Joan Clos, ex alcalde de Barcelona, con la misma pastilla negra tapándole los ojos. Pero en este caso la ceguera no es impuesta sino elegida, es el político quien cierra los ojos ante una terrible realidad.

Paralelamente desplegaron toda una serie de piezas –sobre todo para la difusión en redes– que siguieron este irónico concepto: caras sonrientes de políticos en su fotos oficiales, sobre las que se superponen duras consignas alrededor de la causa del 4F. El contraste entre imagen oficial y verdad gritada como forma de expresar la indolencia de la gente que gobierna. Incluida una versión de las siglas 4F en una composición que recuerda a una esvástica, juego gráfico al límite… Una de las adaptaciones gráficas que más sorprende es la simulación de una enorme valla publicitaria anunciando Ciutat morta en el Festival de San Sebastián; publicada en redes, potenció enormemente la promoción de la película (pocos se pararon a comprobar si la valla era real o no). Esto es lo que los autores llaman hackear la realidad en el camino del activismo.

En Metromuster no tiene mucho sentido hablar de diseño o creación gráfica, porque trabajan en un círculo mucho más amplio. Comunicación gráfica o audiovisual están al servicio de la denuncia social y su consecuente llamada a la acción. No podemos, por tanto, calificar a Xapo como mero diseñador de carteles, pero sí como comunicador, constatando que el cartel de cine puede ser una herramienta para el cambio social. Y esto abre todo un mundo de posibilidades.

Xapo y Xavi trabajan en Barcelona junto a cientos de personas cuya ubicación es irrelevante porque la vida digital nos acerca a todos. Tras su paso por la comisión audiovisual del 15M barcelonés, decidieron explorar las posibilidades del vídeo y el audio en un sentido social. A nivel gráfico, Xapo confiesa su gusto por lo sencillo, lo directo. Le gusta el Constructivismo pero no parece prestar especial atención a la estética más allá de la servidumbre al mensaje. La función por encima de cualquier otra consideración.

Su relación con el marketing audiovisual es, pues, absoluta, pero en una senda no demasiado frecuentada por los colegas de profesión. Su discurso resulta visionario (¿quizá rozando lo agorero?): «Estamos comprobando que la hegemonía mediática está obsoleta, los mensajes emanan desde abajo, y somos muchos más».

Xapo confiesa su total desconocimiento del panorama del diseño para cine. Cree en el diseño como un medio y ni siquiera se siente demasiado autor de la gráfica. Apunta a la democratización de las herramientas y procesos como una gran ventaja en el terreno creativo. La economía colaborativa, el trabajo en red y la fe en el prójimo sustentan la forma de comunicar que él y sus socios defienden, en medio de un clarísimo cambio de paradigma. Esto también es cine y también es diseño.


 

Como diseñadores, este viaje con cinco paradas tan diferentes ha sido un regalo. Con mucha prisa (la fecha del evento mandaba) tratamos de plasmar estos cinco procesos creativos en un video, para información de los asistentes a la gala de entrega de los Premios Proyecta. Huelga decir que no hace justicia a tanto talento y a tanta generosidad que estos creativos han demostrado cediéndonos su tiempo, su relato y sus imágenes.

Como instigadores del premio al Mejor Cartel de Estreno, estamos muy orgullosos de haber contribuido a que los diseñadores se conozcan (en general y entre sí), en lo que queremos que sea el inicio de una toma de conciencia del gremio, si es que existe como tal, en el maremagno del marketing de cine en España. ¿Continuará? Seguro que sí.

Pablo Dávila – www.pablodavila.com

Ana Linde – www.analinde.com

Septiembre de 2015

5 carteles, 5 identidades // Barfutura, los especialistas

Cada persona es un mundo y detrás de un cartel de cine suele haber varias (a veces, muchas). Pablo Dávila y Ana Linde son dos de ellas. Creativos especialistas en gráfica de cine, instigadores y coordinadores del Premio Fotogramas a Mejor Cartel de Estreno en la 3a edición de los Premios Proyecta. Al hilo del cuál entrevistaron a los finalistas para ofrecernos aquí una muestra del sector en España (ojo, hay muchos más). Y, de paso, invitar a diseñadores y otros implicados en la gráfica de cine a entablar un diálogo que mejore el oficio y facilite su día a día. Todo buenas e inspiradoras noticias.

Pablo Dávila – www.pablodavila.com

Ana Linde – www.analinde.com

 

Todo el mundo les conoce en la profesión, llevan 12 años creando carteles y grafismo adyacente al cine. Dentro del panorama español, son «los prácticos», la agencia «a la americana» (aunque en sus orígenes pusieron cara a mucho cine europeo). Suyas son algunas de las gráficas de películas más importantes de 2014 (La isla mínima, El niño), entre otras muchas. Pesos pesados de la industria como Álex de la Iglesia o Telecinco Cinema, por nombrar solo algunos, confían reiteradamente en su trabajo.

Hacen un diseño muy práctico, muy efectivo, cumpliendo todos los parámetros de la gráfica publicitaria profesional: mensaje y universo gráfico claros, volcado eficaz en todas las piezas de la campaña, todos los reclamos bien destacados… Nadie lo niega: son un referente. Tienen la suerte que todo creativo desea, haber parido parte del imaginario colectivo del que son contemporáneos (aunque sea a lomos de una obra ajena). Nadie olvidará la deconstrucción en clave de comedia de la Ikurriña que se inventaron para publicitar 8 apellidos vascos, por poner un ejemplo. Su nivel de especialización y su media productiva son comparables en España a las de muy pocos estudios (Villuti, Usert38 y poco más).

 «Entendemos la importancia del marketing, los actores son el bífidus del yogur» dice Sergio González Kuhn, director creativo del estudio. Tiene asumido que es muy difícil que un cartel de cine fiel al mensaje publicitario gane un premio de diseño. Es decir, no aparenta llevar demasiado mal la dictadura del mercado, entiende las necesidades de sus clientes y hace lo posible por satisfacerlas (lo cual no quiere decir que no defiendan su trabajo). Cree que cumplir tiempos, responder al compromiso, trabajar de manera eficaz, generar confianza, etc., son recursos tan importantes o más que la maestría necesaria para combinar colores, formas, tipografías y fotos. «La seriedad es lo que nos ha mantenido tantos años», dice Sergio. El ego creativo en su sitio, en pos del negocio.

Pero no siempre son tan obedientes, dedican una parte importante de su creatividad a proyectos propios, a Sergio se le ilumina la cara cuando habla de ellos (top secret). Le gustaría ser «el Bulli del diseño», poder cerrar el chiringuito seis meses y dedicarse a su laboratorio de «re-creación». Y critica de la industria cinematográfica española la falta de organización que a veces tiñe de tensión y desacierto un trabajo precioso. Bajo una batuta errática y oscilante el resultado se resiente…

Preguntado por La isla mínima (finalista en la categoría al Mejor Cartel de Estreno de los Premios Proyecta 2015), Sergio comparte orgulloso el proceso creativo. El cartel sobrevivió entre un bosque de opciones y retoques: «Intentamos conceptualizar antes de empezar a producir, pero a veces no queda más remedio que tantear. Trabajamos en abanico, proponemos una serie de imágenes y vamos estrechando el cerco».

A nivel gráfico, les define una redundancia: son «muy gráficos». Esto significa que se decantan por un diseño muy atento al uso de la tipografía, la composición y la coherencia formal en todas las piezas. El diseño de un buen logo para el título es fundamental, como lo es dotar a todas las adaptaciones del cartel (exteriores, redes, trade) de un común denominador gráfico a prueba de bombas. Por cierto, el estudio está ubicado en Madrid en las alturas de un céntrico teatro, donde comparten creatividad cinco creativos y el jefe, número que aumenta en función del encargo (ilustradores, fotógrafos, animadores). El trabajo en equipo es una máxima y no hacer horas extras una obligación. La oficina es ostensiblemente austera, de un blanco nuclear, como si necesitasen que la inspiración les llegase solo desde dentro, con los ojos limpios.

Tienen perfectamente ubicados a sus competidores, a los que admiran (el teaser de lo próximo de Amenábar, Regresión, les parece de lo mejor que han visto últimamente, piropo directo a Usert38); y se muestran entusiastas ante la idea de estrechar lazos con otros estudios. Miran a Estados Unidos como fuente de tendencias y carril por el que cine y diseño discurrirán. En definitiva, han hecho los deberes y da la impresión de que disfrutan con lo que hacen: «Los diseñadores damos valor a las cosas, mezclamos elementos para generar una armonía». Bonita misión en este extraño mundo.


Como diseñadores, este viaje con cinco paradas tan diferentes ha sido un regalo. Con mucha prisa (la fecha del evento mandaba) tratamos de plasmar estos cinco procesos creativos en un video, para información de los asistentes a la gala de entrega de los Premios Proyecta. Huelga decir que no hace justicia a tanto talento y a tanta generosidad que estos creativos han demostrado cediéndonos su tiempo, su relato y sus imágenes.

Como instigadores del premio al Mejor Cartel de Estreno, estamos muy orgullosos de haber contribuido a que los diseñadores se conozcan (en general y entre sí), en lo que queremos que sea el inicio de una toma de conciencia del gremio, si es que existe como tal, en el maremagno del marketing de cine en España. ¿Continuará? Seguro que sí.

Pablo Dávila – www.pablodavila.com

Ana Linde – www.analinde.com

Septiembre de 2015

5 carteles, 5 identidades // Carlos Vermut , El autor total

Cada persona es un mundo y detrás de un cartel de cine suele haber varias (a veces, muchas). Pablo Dávila y Ana Linde son dos de ellas. Creativos especialistas en gráfica de cine, instigadores y coordinadores del Premio Fotogramas a Mejor Cartel de Estreno en la 3a edición de los Premios Proyecta. Al hilo del cuál entrevistaron a los finalistas para ofrecernos aquí una muestra del sector en España (ojo, hay muchos más). Y, de paso, invitar a diseñadores y otros implicados en la gráfica de cine a entablar un diálogo que mejore el oficio y facilite su día a día. Todo buenas e inspiradoras noticias.

Pablo Dávila – www.pablodavila.com 

Ana Linde – www.analinde.com

Carlos Vermut, el autor total

«Está en Tokio», nos dicen en Avalon, empresa distribuidora de Magical Girl. Así que nos perdemos una deseada entrevista con Carlos Vermut, autor de la película y los dos carteles que la representan. La pena se nos quita gracias a Marcos Colorado, responsable de materiales de Avalon, que nos narra de mil amores los entresijos del diseño de estas piezas.

El caso de Carlos es particular. Al más puro estilo renacentista, Carlos hace carteles porque hace películas. Hay pocas personas capaces de escribir, ilustrar, dirigir, producir (en el caso de Diamond Flash, su anterior filme), crear un monstruo exquisito y exitoso como Magical Girl y, además, sintetizarlo en una sola imagen. En este caso las leyes del marketing se diluyen o adquieren la forma que marca el autor (al fin y al cabo él es quien mejor conoce su propio universo y, como ilustrador, parece el más indicado para ponerle cara). «Queríamos un cartel simbólico, intrigante, icónico», declara la gente de Avalon. Pues toma, la primera en la frente, y nunca mejor dicho, porque la propuesta de Vermut es una ilustración del rostro de Barbara Lennie atravesado por un reguero de sangre en forma de lagarto, poniendo a jugar toda la simbología de la película. Aunque hubo otras propuestas que reflejaban gráficamente la afinidad del cine de Vermut con el de autores como Lynch o Saura (de hecho el cartel final remite al de La Prima Angélica, del director español), la opción del lagarto convenció sin esfuerzo para llegar al público natural de la película: los seguidores de Vermut y culturetas allegados.

Pero «la película creció exponencialmente tras su paso por San Sebastián, así que decidimos ampliar el público», nos cuenta Marcos. Y así surge la segunda gráfica promocional, destinada a atraer a ese nuevo público, con caras de actores caladas en un corazón roto (basado también en una ilustración de Vermut). El resultado es un término medio que utiliza el personal universo gráfico del autor con alguna concesión a las leyes del marketing cinematográfico.

En Avalon, según nos cuenta su responsable de materiales, el equipo de marketing es quien suele parir las ideas que determinan la gráfica, al hilo del posicionamiento de marketing. Según este modelo, los diseñadores funcionan más como «traductores» gráficos, aunque en el caso de Magical Girl no fuera en absoluto así.

No sabemos qué parte de Carlos Vermut se siente cartelista de cine, pero está claro que, de facto, lo es. Con la gran ventaja (aunque también el gran reto) de poder ponerle cara a su propia creación. Un perfil poco habitual, pero tremendamente interesante. Arigató.


Como diseñadores, este viaje con cinco paradas tan diferentes ha sido un regalo. Con mucha prisa (la fecha del evento mandaba) tratamos de plasmar estos cinco procesos creativos en un video, para información de los asistentes a la gala de entrega de los Premios Proyecta. Huelga decir que no hace justicia a tanto talento y a tanta generosidad que estos creativos han demostrado cediéndonos su tiempo, su relato y sus imágenes.

Como instigadores del premio al Mejor Cartel de Estreno, estamos muy orgullosos de haber contribuido a que los diseñadores se conozcan (en general y entre sí), en lo que queremos que sea el inicio de una toma de conciencia del gremio, si es que existe como tal, en el maremagno del marketing de cine en España. ¿Continuará? Seguro que sí.

Pablo Dávila – www.pablodavila.com 

Ana Linde – www.analinde.com

Septiembre de 2015